素描是绘画入门的基础，它能帮助我们提高整体而全面地观察世界，准确而客观地表现对象的能力，是促进初学者眼、脑、手高度协调一致而行之有效的方法，因此各专业院校及系科都将其列为造型基础课，也是初学者迈入艺术殿堂的必考项目。
一、头像速写训练
这一阶段练习的内容主要是头部。从美术视觉的角度上讲，人的头部特征主要由五官、脸型和发型三个部分组成，应引导学生从这三个方面去认识一个人的相貌特征。五官要注意抓眼、鼻、嘴的特点：脸型重点观察颧骨、腮帮和下颌这三个点；对于发型，则重点在于表现颜面部周围的地方，因为这一带的发型能辅助说明相貌特征。在对这三方面特征的观察和表现的过程中，首先要让学生了解头部的结构、比例关系。画的时候，可以采用由里到外的步骤进行，先从眼，鼻，嘴，脸型到发型这样一个顺序画。并且注意表现一下头和颈、肩的衔接关系。
手和脚也是人物速写中的一个重要表现部分，其结构和变化比较微妙，是速写练习中的一个难点。从大的视觉感受上可以把手分为手指和手掌两大部分。正面看，手掌可以概括为一个五边形，而手指可理解成由圆柱体连续而成的。手掌在不同的视觉角度下其五边形特征的变化是不同的。手指指尖细指根粗、指关节处大。因此在表现手指时用线不宜过于平滑，在指关节处应注意线条的曲折变化，这样画出来的手才有生活的真实。
对于脚部的练习，重点是调整不同视觉角度下足背、足前掌和脚后跟三大部分的关系，在动笔之初先把足背线，前掌边缘线和后跟边线定准确，然后再进行脚部其他地方的刻画。
三、衣皱练习
衣皱是人物速写训练中有必要进行专题研究的一个内容，在衣皱处理中各种主次、强弱等对比语言地合理运用，能增强人物速写作品的艺术魄力。
衣皱的产生和消失与人体的运动有密切关系，衣皱主要集中于人体活动关节的内侧，因此应注意结合人体的运动对衣皱进行描绘，同时要对看到的衣皱进行概括提炼，以能够通过衣皱表现人体的动态，不能过于琐碎，切忌看到什么画什么。在背部、手臂、大腿等非关节部分的衣皱要进行简化处理，并应强调对比语言的运用，比如关节内侧的密与关节外侧的疏的对比，轮廓线条长与皱纹线条短的对比，主要线条强与次要线条弱的对比等。
在练习中，可以先对肘关节、膝关节进行局部写生，训练对衣皱的提炼概括和表现能力，然后再进行半身和全身的衣皱练习。
四、全身速写的练习
当学生对以上三个步骤的技法都掌握熟练后，便可以进行全身速写练习了。在画全身速写时，首先必须了解人体的各种比例关系并能在作画时轻松表现。其次要能把握头、胸腔和骨盆在不同动态中的关系，注意头、颈、肩的衔接，腰和臀部的衔接。最后要认识到人体的透视变化特征，使画出来的人体有体积感。为了考生能对我们学校的要求有所了解，在素描考试中取得好成绩，我们对历次考试中，考生暴露的问题加以归纳总结，分列如下：
这是不少初学者和考生共同的毛病，由于他们缺乏长期性作业的训练，在考试中不是在整体观念的指导下全面推进，而是急于求成，急着出效果，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，因而造成局部相互之间关系无法很好地衔接。常常是某一部分已经画得非常突出和完整，而其他部分还是空白的，其画面效果可想而知。
一个整体是由若干个局部组成的，没有局部的整体，是空洞的不真实的；然而，没有整体的局部，再精彩、再深入也是毫无意义的。因为素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“想法”和如何观察事物的“看法”。离开了这两点，素描练习也就失去了它的意义。有人说：“素描就是比较，比较，再比较。”这话虽然有点片面，但也是有一定道理的。既然整体是关系到一幅素描作业的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得非常重要。如何解决这种关系，就是靠比较的方法，比色调的深浅，比形体比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较画出来的物象，才是客观对象真实存在的一面。
缺乏理解对象
物体的起伏凹凸，明暗虚实关系，都是光线作用于物体的内在结构的外部表现。要想深入地刻划对象，必须要做到“知其所以然”，要研究其内在结构关系。有的同学面对模特儿，不是积极主动地由表及里地分析研究对象，不去研究外部表象的内在成因，而是机械被动地抄袭对象，哪些地方深点，哪些地方浅点，他就把这种深浅变化照抄下来，至于这深和浅意味着什么，却知之甚少，或一无所知，因此，很难深刻地、真实地表现对象。
缺乏敏锐感受
有人说世上所有的人，没有绝对相同的面孔，每一个人都有区别于他人的相貌特征，即使是双胞胎也不例外，他（她）们也都有别人不易察觉的差异。捕捉对象的特征和独具个性的差异，是素描训练的根本任务。
但是在素描写生的过程中，常常看到有的学生不管画谁，不管对象的长相如何，气质怎样，都画得像一个人，模特儿似乎成了摆设，成了他们胡编乱造的参照物。这种现象有一定的代表性。这里有初学时期老师指导上的失误，还有考生自己认识上的误区。有的考生错误地认为：模特儿像不像没有关系，只要画面效果好就行，反正评分的老师也不知模特儿什么样。像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的惟一标准，但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。如果一个学生长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。具体到素描写生中的表现就是千人一面，概念化，脸谱化等等。而这些毛病一旦形成就很难纠正。这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。无疑，这样的试卷是无法得到高分的。
缺乏画面把握
在最后画面调整时，最容易出现画面灰，效果不强烈，和画面锁碎的毛病。为什么会出现这些毛病呢？这是因为光线照射下的物体都会产生三种基本的色调：黑（最深的色调）、白（最亮的）、灰（色调丰富的中间色）。有了三种不同的色调，画面的层次就清晰，画面的效果就响亮，至于哪一种成分多点，哪一种成分少点，都要视客观给你的感受而定。但不管怎样的比例关系，三大基本色调都不应缺少其中的一个。
造成画面灰的原因很多。比如模特儿的面部大部分都处在亮部里，于是，画面上基本都是亮和灰的色调；如果处理不当，很容易画灰。这时，应强调深灰的作用，尽量拉开深灰和浅灰的距离，使之保持画面的层次感。还有一种情况：模特儿的皮肤比较深，黑和深灰色调占其面部的大部分面积，而浅灰和亮面所占的面积很少。处理不好也容易造成画面灰暗、沉闷，影响作业成绩。对此，考生应主动减少中间色调的深度，提高画面（脸部）的亮度，保持画面的层次感。写生的过程当中，在整体尊重客观对象的前提下，允许对局部的色调进行调整、或减弱、或加强的艺术处理。
素描写生的对象，或明或暗，或强或弱，或虚或实，都有着它的规律和秩序。写生时如果打乱了这种客观秩序，就会出现零乱琐碎，因而影响画面的整体感。比如，暗部里的反光，画得太亮超出了它所在的范围，就破坏了局部的整体。一个画面是由若干个局部所组成的，如果每个局部都出现类似的情况，那么这个画面就会支离破碎。
还有一种情况，每个局部都画得很好很完整，但局部和局部之间没有联系，互不统属，互不相让，像一盘散沙。一个物体在一个固定光源的照射下，必然会出现强弱、远近和虚实的物象。因而就产生了物象主次关系———秩序感。这个秩序是客观存在的，不是人为安排的。如果画面上没有这个秩序，那就是画者的观察方法和思想方法存在着某些问题。如果认为每一个部位都重要，都要强调和突出，那么秩序就被打乱，画面的整体感就被破坏。没有整体感的素描，是不能算作成功的作品的（无论其细节画得如何精彩）。
